11月3日、デビュー5周年の記念日を迎えたINI。9月16日、17日に自身初となる単独東京ドーム公演＜2026 INI 5TH ANNIVERSARY DOME TOUR [CITY OF LIGHTS]＞を成功させ、2日間で計10万人の観客を動員。最新シングル「ANTHEM」は各音楽チャートで1位を獲得するなど、5周年イヤーに相応しい大いなる成長を遂げているグループだ。

INIの活躍ぶりは、音楽に携わる仕事をする者として当然ながら耳には入ってきていたし、音楽番組やさまざまなメディアで取り上げられているのは目にしていた。しかしながら、音楽テクニカルライターとして制作面を主たる取材対象としてきた筆者は、正直これまで、あまり彼らを深掘りしたことがなかった。喩えるならば、野球ファンがサッカーの試合を観戦するように、同じスポーツとして楽しむものの、自分の専門とは別種目だというのに近い感覚。自分にとってダンス・グループは別世界のエンタテインメントであり、それを楽しんだとしても、分析的な目線で見ることはほぼなかった。

そんなINIに興味をもったきっかけは、“INI WORKSPACE”なる企画で彼らが4曲を配信リリースしたことを知ったことだった。INIオフィシャルWebサイトによると、“INI WORKSPACE”は「INIのユニットによる新たな化学反応やクリエイティブの魅力を発信する企画」と紹介されている。簡単に言えば、メンバー内で2～4人から成るユニットを組み、各人／各ユニットの個性を生かして、11人のグループとはまた違う音楽性や表現力のある作品を生み出そうというプロジェクトだ。

調べてみると、最初に企画されたのは彼らがデビューした2021年。当時、初のユニットコンテンツとして「Brighter Acoustic Ver.」「INI WORKSPACE-Dance #1」「How are you」の3作品が配信されている。その中身は順番に、デビューシングル「A」の収録曲「Brighter」のアコースティックバージョン、「Rocketeer」のリアレンジと新たなダンスパフォーマンス（映像）、そしてメンバーが作詞に参加したと新曲となっており、大人数のグループでは隠れてしまいがちな各人の個性にスポットを当てようという試みだったのだろう。

それが今回、デビュー5周年イヤーの新たな展開として再登場した“INI WORKSPACE”は、5年前とは方向性が大きく変わっている。最大の特徴は、メンバーそれぞれが楽曲制作に参加している点。しかも、4つのユニットにより制作された4曲は、冒頭に触れた東京ドーム公演時にライブで披露され、その上で音源作品としてもレコーディング。

「SWING – RIHITO, SHOGO, HIROTO」
「Give Me More – TAKUMI, TAKERU, YUDAI, JIN」
「Spin It – FENGFAN, HIROMU」
「君がくれたもの – MASAYA, KYOSUKE」

以上の4曲が10月12日にデジタル配信リリースされたのだ。言うなれば、「各メンバーの個性を見せるためのユニット化」から、「各メンバーの創造力を掛け算するためのユニット化」へと進化したのが2026年版“INI WORKSPACE”の面白味のようだ。では、その楽曲を個々に深掘りしてみよう。

●SWING – RIHITO, SHOGO, HIROTO

本作は、INIのラップラインである池﨑理人、田島将吾、西洸人の3人が作詞・作曲を手がけた作品。音楽的には、直線的に勢いよく突き進むだけでなく、重量感のある身体を弾ませるようなバウンスするリズムで3人が言葉をぶつけていくような音像。そのラップは、荒々しくシャウトするスタイルではなく、ダークさをまといながら、3人それぞれの声色の存在感をあぶりだすような、どこか余裕すら感じる力強さで響いてくる。

ポイントは3人のラップのレイヤー感だろう。池﨑が深みのある低音ラップでイントロやフック（サビ）を牽引すると、西はその上を艶やかに、かつ太さのある高音域でコントラストを際立たせている。その周波数レンジの狭間を埋めるのが田島だ。彼はドラムをプレイするそうだが、ドラマーならではのリズム感が下地にあるためか、言葉の音節をビートに当てはめていくボーカル的アプローチのラップが心地よく響く。

印象的だったのが、3人のレコーディング風景。3人は呼吸を合わせながらも、それぞれ違う身体の動き方をしていたのだ。本人たちがどう意識していたのかはわからないが、池﨑はビート、西はニュアンス、そして田島は言葉とリズムの関係性に重きを置いたような身体の動きでラップを生み出していた。これらはそのまま、3人それぞれの“役割”の違いを表しているかのようであった。

バンドでも、グルーヴを生むパート、コード感を司るパート、メロディを奏でるパートと、楽器ごとに異なる役割を担い、それを全うすることでひとつの音楽を作り出していく。同じように、“ラップ”とひと言でまとめてしまいがちだが、それぞれに（自然発生的な）役割分担があり、この3人の組み合わせだからこそ生まれる“ラップ・アンサンブル”がそこに存在していた。加えて、スタジオワークでお互いのラップのディレクションをし合っている様子も驚きであった。

この3人と新進気鋭のビートメイカー／プロデューサーkrynXとのコラボレーションとなれば、その注目度はINIの活動範囲を大きく超えたものとなるだろう。レコ―デング映像では、池﨑が「ドームで低音を響かせまくって」と語っており、サウンド感まで明確なイメージを持っていたことを伺わせるし、リリックにおいても、《コールドゲームでWin》《狙い定めてFull swing》《StudioからDome までPull it up》など、ドーム公演で初披露するシチュエーションを生かしながら、ドーム＝野球の図式からバッドを振る“Swing”と音楽的な“Swing”をかけ合わせてリフレインさせたり、「勝利」「チーム」「上昇」といったモチーフで、INIとしての成長やアーティストとしてのプライド、強い決意、上昇志向をしっかり表現している点も良い。すべてにおいて、「ラッパー3人集めたユニット」ではなく、「池﨑・田島・西の組み合わせだからこそ生まれたヒップホップ」を成立させている点は見逃せない。

●Give Me More – TAKUMI, TAKERU, YUDAI, JIN

クレジットを見ると、尾崎匠海がメロディラインを手がけ、松田迅が単独で作詞担当。今回は音源のみを聴いての分析となるが、この楽曲を初披露したドーム公演では後藤威尊が振付を提案したとのこと。佐野雄大を含めた4人のダンスで、楽曲の熱量を身体表現でさらに高めていったようだ。

レコーディング映像を見ると、この4人ユニットのコンセプトは“ダーク・セクシー”だとのこと。まさにダークな質感を漂わせたサウンドと、4人のボーカルがもたらす色気が夜をイメージさせる歌詞と共に溢れ出ている。その“ダークさ”と“セクシーさ”が何から生み出されているのかと言えば、それはやはりメロディと言葉、そして歌唱の三位一体から成るものだ（ライブにおいては、そこにダンスが加わった“四位一体”の表現となる）。それぞれを見てみよう。

まずメロディ。調べてみたところ、尾崎はこれまでに自身のソロ曲として「幻想」「Don’t Worry」「存在証明」でメロディを書いており（共作を含む）、この曲で4曲目の作曲作品となるようだ。それらの曲も併せて聴いてみたところ、共通して言えるのは言葉（歌詞）とメロディとのマッチングの良さであり、感情を言葉だけで表現するのではなく、メロディと組み合わせて聴き手に伝えることで、より言葉が持つ意味合いの陰影を深いものとしているということだ。

ただ、これまでのソロ曲との大きな違いは、それらソロ曲は自身で詞を書き、自身が歌う作品だったが、今回の作詞は先述したように松田迅。聞くところによると、制作の流れとしてはまず尾崎が作家と共に曲を書き上げ、それに対して松田が歌詞を綴っていったとのこと。そのメロディは、重くのしかかる抑圧感のあるAメロから、サビに向かってエモーショナルに開けていく展開が実にドラマチック。しかも“闇”の表現においても妖艶さを醸し出すあたりが尾崎のメロディ・センスと言えるだろう。そのサウンド感は、歌詞によってさらなる拡張を見せている。

その松田が書いた歌詞は、ドーム公演のタイトルである“CITY OF LIGHTS”のムードを漂させる内容で、言葉の面においても深い暗闇と光の対比が見事。自分の居場所を見失う感覚に陥りながら、やがて光となる《君》に引き寄せられていく。それは救いであると同時に欲望の増幅へとつながっていき、曲タイトルである《Give Me More》という耳に残るリフレインで、ある種の危うさをも表現している。尾崎と松田という2人の音楽的美学が融合した作品と言ってよいだろう。

先に紹介した「SWING」が外に向かう攻撃的なラップであるなら、「Give Me More」は明らかに自らの感情を膨らませていく内省的な楽曲。その内へと向かう感情を、尾崎、松田、後藤、佐野の声色でしっかりと聴くことができるという点もファンには嬉しいところだろう。言い換えれば、この4人の声色を活かしたメロディと歌詞なのだ。さらに想像を膨らませれば、ドーム公演で披露された4人のダンスも、そうした人間の内面に迫るパフォーマンスだったのではないだろうか。ライブでの彼らの表現にも興味が沸く一曲であった。

●Spin It – FENGFAN, HIROMU

「SWING」と「Give Me More」がユニットメンバーの個性を生かした楽曲だとすると、「Spin It」は髙塚大夢とシュウ・フェンファンの音楽的バックボーンを色濃く押し出した作品だと言える。
レコーディング映像で髙塚とシュウが語っているが、この曲のキーワードは“R&B”と“ファンク”。とにもかくにも、イントロから全編に渡ってフィーチャーされるベースがカッコ良すぎるし、4つ打ちにキックに対してシンコペーションで“拍を食う”サビのメロディのグルーヴ感も、いわゆる“通好み”。それをいなたく聴かせない理由は、2人が書き上げた言葉のリズムの気持良さと、クリアな歌声の重なりがあってこそ。髙塚と許が歌うことで、オシャレですっきりとした現代的R&Bファンクに仕上げているのだ。

クレジットを見ると、作曲自体は作家が手がけているようだが、髙塚とシュウのアイデアが大いに反映されているということなので、2人のマニアックな音楽好きの片鱗が存分に取り入れられた作品だと言えるだろう。

その2人の共作により書き上げられた歌詞も実にセンスが良い。2人の音楽的な共通点として、歌詞に「（アナログ）レコード」を彷彿とさせるワードが散りばめられているが、サビの頭で歌われる《33 and a third drops》がレコード・アルバム（いわゆるLP）の「33 1/3回転」を表していたり、レコードの1分間の回転数を表す「R・P・M」という単位を使いながら、そこに《Rhythm・Pace・Magnetism》という独自のワードを当てはめ新たな意味を持たせるなど、とにかく芸が細かい。しかもこれらのワードを、今どきのレコードブームに便乗した浅いファッション感覚で用いるのではなく、アナログレコードと抜群に相性が良いR&B／ファンク・ミュージックの背景として取り入ることで、音楽としての説得力もきちんと保持している。

こうした詞と曲の魅力を具現化しているのが、冒頭にも述べた2人の歌声だ。細くならずに突き抜けるハイトーンが魅力の髙塚。一方で、息成分が多めで柔らかさのあるシュウの声色は実にR&B向きであり、この2人のユニゾンやハーモニーは、強さと柔らかさ、明瞭さとさりげなさといった相反する要素を実にいい塩梅で融合させている。ハーモニーと言うと、声質が似ている者同士の方が美しく響くように思われるが、声質の個性が異なる2人だからこそ、お互いを補い、この2人でしか生まれない響きを作り出している。

●君がくれたもの – MASAYA, KYOSUKE

最後に紹介するこの曲は、これまでの3曲とはまったくアプローチが異なり、歌とメロディ、感情を伝えるという点に重きを置いたバラード曲。木村柾哉と藤牧京介が作詞と作曲を手がけ、木村はピアノもプレイしている。

まず歌詞を見てみよう。広く大きな意味での“愛”を歌うというコンセプトで2人は制作に取りかかったそうだが、曲の冒頭で歌われる《君の声が聞こえたから》というワンフレーズで、曲全体の世界観をすべて作り出している点が秀逸。つまり、君の声が聞こえたという、とても小さな出来事が、《昨日まで》と《明日から》の意味が変わるほどに、人生の大きな出来事としてロマンチックに歌われている。しかも“君”の対象を恋愛相手だけでなく、仲間や友達に置き換えても成立する物語とすることで、単なるラブソングに止まらず、自分と他者とのつながりや、人生を生きる意味に想いを巡らせることができるよう曲に深みを持たせている点も見逃せない。だからこそ、ビブラートや言葉を伸ばす長さ、明瞭具合など歌の細部に至るまでニュアンスをストイックに追い求める2人の姿を捉えたレコーディング映像も必見だ。

そうした言葉（歌詞）の本質を聴き手に届けるべく、メロディラインは少なめの音数で感情の機微を少しずつ高めていくように形成されている。“ピアノ弾き語り（＋ストリングス）バラード”と言うと、感情を大きく揺さぶるような壮大な音像とする作品も多いが、この曲はむしろ言葉の意味とメロディ（音符）の流れを穏やかに結びつけている点が特徴的。そのため、次々と新たなフレーズが出てくるような技巧は避け、あえてメロディに大きな起伏を作らないことで、主人公の内面に聴き手が没入していける。つまり、過剰な演出を排除し、言葉を活かしたメロディとすることで、木村のピアノと2人の歌声が生み出す世界観を最大化させているのだ。

加えて、レコーディング映像での藤牧が披露した「裏エピソード」も興味深い。その発言内容からすると、そもそもはこの曲はドーム公演のセットリストを考える中で、彼が全体を俯瞰して見た時に必要なタイプの曲だと感じ、構想を練り、木村とユニットを組むことでピアノバラードを作り出そうとしたという明確な意図が伺える。つまり、単に自分たちがやりたいことをしただけでなく、プロデューサー目線でしっかりと目的意識を持ち、作るべき曲を作り上げたという結果なのだろう。こういうプロデューサー気質のクリエイターが存在することもまた、INIの強みとなることは間違いない。

だからこそ余計に、木村と藤牧の2人がドーム公演でどのような歌声とピアノを響かせたのか、そのステージを見逃してしまったことが悔やまれてならない。もちろん、他の3曲も同様だ。そもそもメンバー間でユニットを組み、INIとは異なるクリエイティブを生み出そうという試みは、逆説的に、それだけINIというグループでの（さらに言えばチームとしての）クリエイティブに強いこだわりを持つ意志の表れとも言える。

しかも今年だけを見ても、「Talking Rock! FES.2026」や「ROCK IN JAPAN FESTIVAL 2026」と言ったロック・フェスへ出演するなど活動の幅を意欲的に広げている点を顧みても、冒頭で述べた「ダンス・グループ」という筆者の認識は、もはや改めるべきなのだろう。それくらい現代の音楽シーンにおいて、ジャンルの枠を超えた気になる存在へと歩みを進めている彼ら。だからこそこれを機に、遅ればせながらも、ここから先のINIの音楽的な飛躍に、大きな期待を持ってぜひとも注目していきたいと思う。

文◎布施雄一郎